La definición más recurrente al Surrealismo sería “El Movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del Dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico”.
A través de este tiempo en curso; el Siglo XX y los trabajos de los Filósofos Sigmund Freud, Martin Heidegger, los jóvenes se hicieron preguntas alrededor de la cuestión estética de la Existencia, a través del Surrealismo se buscaba explicar la realidad desde la perspectiva interna del Ser Humano.
La Guerra, la búsqueda de la Paz y la verdad  personal.
Las ideas del Joven Francés André  Breton serían el pilar en esta corriente: Poesía, Música, Arquitectura y mayormente en la Pintura.

Guillaume Apollinaire  (Francia, 1880-1918)
Poeta, novelista y ensayista francés, que nació en Roma y estudió en el liceo Saint-Charles, de Mónaco.
Debido a sus intentos por sintetizar la poesía y las artes visuales, Apollinaire ejerció una importante influencia tanto en la poesía como en el desarrollo del arte modernos.
Se considera que con esta última obra Apollinaire introdujo el surrealismo, y de hecho pasa por ser el primero que utilizó ese término
Los términos surrealismo y surrealista Proceden de Guillaume Apollinaire
1917
el Musical Parade (mayo de 1917)
“Una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parade a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del "Espíritu Nuevo"
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias(drama surrealista), en junio de 1917
Refiriéndose a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece.
“Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.” (Apollinaire,1917)
En francés: surréalisme; [sur sobre, por encima] más réalisme[realismo]) o superrealismo.
André bretón y el Surrealismo (1896-1966)
Poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista.
Estudió medicina y trabajó en hospitales psiquiátricos durante la I Guerra Mundial.
El estudió de las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales) influyeron en su formulación de la teoría surrealista.

IVES TANGUY (1900-1955)

Presenta sus sueños como desligados de toda realidad exterior, empleando elementos tradicionales, casi académicos para dar una visión limpiamente misteriosa.

Obras: The Furniture of Time ( Los Muebles del Tiempo) Extinction of Useless Lights (Extinción de Luces Inútiles)

RENE MAGRITTE (1898-1967)

Belga. Convirtió la fría pintura metafísica en un producto revivido bajo la elaboración minuciosa e insólita de los objetos.

MAX ERNST (1891-1976)

Alemán. Basado en sus estudios de filosofía, elaboró una pintura misteriosa que iba descubriendo el mundo del subconsciente con sorprendentes visiones, como nacidas de la ciencia ficción.

Sus obras están llenas de frío, poesía e ironía intelectual, logrando construir un mundo de fantástica imaginación.

Obras: Elephant Celebes,The Hat Makes the Man

JOAN MIRÓ (1893-1983)

Español. Su temperamento tranquilo, sereno y sensible, mirando siempre al interior, lo capacitan para captar, con la misma seguridad el drama y la ingenua belleza. Es un gran artista que nos transporta a un mundo a la vez nuevo y viejo, sin grandes enigmas, a un mundo irreal desconocido pero sincero

Obras:Man and Woman in Front of a Pile of Excrement,Woman in Front of the Sun

ANDRÉ MASSON (1896-1987)

Francia. Es el mejor representante surrealista francés. Analiza la estructura del objeto para transformarlo luego en una Lucubración intelectual del pensamiento.

Obras: André Masson, “Il n’y a pas de monde achevé”, Paysage en forme de poisson,"La partie de campagne", 1941 tinta sobre papel

SALVADOR DALI (1904-1989)

Es el máximo representante de este gran movimiento, en un inicio siguió las ideas cubistas, dadaísmo, del que recogería su negación y su extravagancia. sus pinturas concuerdan con los psicoanálisis de Freud, con un trasfondo de sensualismo, de sueño y locura.

Como él mismo los ha calificado, sus pinturas son visiones paranoicas. Su gran riqueza imaginativa lo ha situado a la cabeza del movimiento surrealista, no solo en el campo de la pintura, sino en el del cine y la literatura.

El arte de dalí

El método paranoico crítico parte de imágenes reales, desde una mancha a un objeto, sobre las que se proyecta su subconsciente de forma crítica y consciente. Es decir, consiste en dejar aflorar las fobias, obsesiones o influencias del artistaen el lienzo de forma que surjan composiciones caóticas, delirantes y enigmáticas.

Se produce un conflicto entre cómo es la realidad y cómo quiere el paranoico que sea. Y es así cómo a través de esas imágenes dobles cada espectador verá unas u otras realidades en un cuadro de Dalí, dado que cada uno de nosotros interpretamos desde nuestros subconsciente. “Lo que vemos en las cosas no está en las cosas, sino en el fondo de nuestra alma”, explicaba el pintor. Dalí creó este método después de leer ‘La interpretación de los sueños’, de Sigmund Freud. Tal y como él mismo reconoció este fue uno de los mayores descubrimientos de su vida y desde entonces adquirió el vicio de auto interpretar todo lo que se le sucedía, por “más casual que pareciese a primera vista”.

Obras:

Cristo en la cena. La Virgen de Port Lligat. Persistencia de la Memoria. La jirafa ardiente. La mujer de espaldas.

INTRODUCCIÓN AL MOVIMIENTO ARTÍSTICO DEL DADAÍSMO

El Dadaísmo sume con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo. El movimiento dada nació en un café cantante .de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como .el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da .al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial. Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York. 

Jean Arp Francoaleman 

Realizó relieves, collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconograha muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica. Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en la forma que dictaba la casualidad. Bloque: forma terrestre es una construcción realizada en madera cortada y pintada que presenta formas elementales agrupadas siguiendo el impulso del azar. Pez y bigote es una obra humorística creada sobre una base -  de madera recortada y pintada que aúna cierto infantilismo en las formas y la espontaneidad del azar.

The end of evangelion - 1997

RAUL HAUSMANN VIENA Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotógrafa, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético. En El critico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos. 

KURT SCHWITTER ALEMAN 

Creó ensamblajes de cartón, madera, alarr.z.,te y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc. En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Sule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tornados a sus visitantes como mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos. 

MAX ERNST ALEMAN 

Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos. En medio de fa sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida. La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino. 

MARCEL DUCHAMP FRANCES (1887-1968) 

Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ambito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte. 

En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine. 

expresión plásticos.

MAN RAY ESTADOUNIDENSE (1890-1976) Realizó un conjunto de obras qué. llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas esta Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunosI c.avos, o la obra llamada La puericultura ti, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde. 

o El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surtan otras grandes corrientes, como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de 

HUGO BALL ALEMANIA 

Funda el cabaret Voltaire, su propósito era "presentar a la cultura y al arte como un show de variedades. Ahí recitaban poemas simultáneos hacían teatro, interpretaban música, exhibían arte. 

Francis Picadla FRANCIA RANCIA 

Gusto de incursionar en varias tendencias,desde impresionismo, cubismo, surrealismo hasta el abstracto. Muchas de sus obras fueron parodias de los grandes géneros pictóricos. Maneja un humor absurdo. 

Cuando escuchamos hablar del arte abstracto inmediatamente pensamos en el arte moderno: sin embargo, la capacidad de abstracción del ser humano la vemos presente desde los inicios de la historia del arte en diferentes culturas alrededor del mundo.
Cuando decimos "arte abstracto" nos referimos a aquellas imágenes en las que ya no reconocemos las figuras, que parecen abandonar todo contacto con la realidad.

EL ABSTRACCIONISMO DE DIVIDE EN DOS GRUPOS: 

Abstraccionismo geométrico:

El que se basa en un rigor matemático y figuras regulares geométricas: cuadrado, triangulo, rectángulo, etc. 

Abstraccionismo orgánico:

El que con una clara influencia de la naturaleza y de lo música, se basa en formas irregulares, líneas suaves y trazos libres. 

ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA DEL SIGLO XX 

Al hablar del abstraccionismo del siglo xx, la corriente conocida como el cubismo se puede considerar como precursora del arte abstracto, pues es dentro de este estilo que se empieza a "romper" y a "perder" las figuras, aunque todavía se reconocen, por lo cual no se puede considerar propiamente como arte abstracto, sino como antecedente. • los artistas mas destacados son: Piet Mondrian y Kasimir Malevich 

ABSTRACCIÓN ORGÁNICA 

Este tipo de abstracción tiene gran influencia de la naturaleza y se caracteriza por presentar formas irregulares, lineas suaves y ondulantes mediante trazos libres, con una clara sensación de movimiento e incluso de musicalidad. 

El pintor holandés Theo van Doesburg (1883 -1931) deja ver de manera muy clara el proceso de abstracción que hace el artista partiendo de una figura realista, de la que poco a poco simplifica sus formas hasta llegar a su completo abstracción, donde ya no se reconoce la figura original. 

Otro ejemplo de proceso de abstracción lo podemos ver en estos cuadros de Piel Mondrion que tienen como tema un árbol. En los tres ejemplos podemos ver como va simplificando los ramas hasta lograr abstraerlas por completo. 

Ejemplo:

"Árbol gris" ,"Estudio de un Arbol", "Paisaje con arboles" 

ABSTRACCIÓN LIRICA 

Nos referimos a la abstracción conocida como abstracción lírico espontanea que, como su nombre lo indica, se basa en acciones libres y espontaneas que no llevan ningún tipo de premeditación o preparación por porte del artista. 

En este tipo de arte los materiales y las técnicas cumplen un objetivo fundamental porque son parte esencial de la composición. 

Dos de los precursores mas importantes de la abstracción lírico fueron Wassily Kondinsky y el pintor suizo Paul Klee.

LA ABSTRACCIÓN ORGÁNICA EN MEDIOS TRIDIMENSIONALES

Al hablar de arquitectura orgánica nos referimos a aquellas construcciones que muestran formas suaves basadas en elementos de la naturaleza, como caracoles, caparazones, nautilos, pájaros, conchas u olas de mar.
Por sus grandes dimensiones, las obras arquitectónicas causan mayor impacto en el espectador y mas cuando se trata  de un diseño innovador. Es el caso de las construcciones que son parle del estilo orgánico, pues salen de lo que habitualmente se ve en ese campo. Gaudí vivía fascinado por la naturaleza y sus formas, por el fluir del agua y demás elementos orgánicos que se ven claramente representados en sus construcciones
El famoso museo Guggenheim de Nueva York es obra del arquitecto Frank Lloyd Wright y ejemplo perfecto de la arquitectura organica. la forma en espiral se asemejan a las de un caracol. 

ESCULTURA ABSTRACTA 

A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoaleman es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biornorfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. 

Counstantin brancusi (1876- 1957)
"Pajaro", "recien nacido"
Mas Casos de abstracción geométrica en otras culturas son los vitrales góticos de la Edad Media y las piezas decorativas del arte islámico.

Origen

El futurismo fue un movinúento de vanguardia que se desarrolló a principios del siglo XX, concretamente en 1909 a partir de la publicación del 'Manifiesto Fundador del Futurismo- de Filippo Tommasso Marinetti. 'El "Manifiesto Futurista" incluye ideas ultra nacionalistas, en donde se exalta la tecnología, la velocidad de los transportes, admiración hacia el peligro y las guerras.
El nuevo Ismo" que se inició en el arte de la literatura, estaba inspirado en los grandes cambios que la 2' Revolución Industrial había introducido en Europa, inspirado en las máquinas y la tecnología y por tanto buscaba plasmar la esencia del movimiento en las formas, la agresividad, la velocidad, la fuerza el peligro y la energía.

Pintura 

La intura en el Futurismo presenta líneas y trazos dinámicos, los cuales demostraban rebeldía y rechazo hacia el pasado. Es la representación de un nuevo estilo de vida acelerado por la tecnología

Formas unidas y no separadas, representación abstracta del 

movimiento. Es un arta experimental que busca provocar sensaciones. 

El Futurismo estaba influenciado por el arte Cubista que era más  antiguo. Muchos de los métodos usados en el Cubismo fueron aplicados en las obras futuristas, dándoles características de dinamismo y energía . 

En las obras del futurismo se emplea el "divisionismo”, como tecnica pictorica que mezcla luz y colores mediante punteados, puntos y rayas. Corno resultado se obtenían rostros y formas desfiguradas.

Energia infinita

Uso de la fragmentación

Los artistas del Futurismo gustaban pintar vehículos, escenas urbanas modernas y la complejidad del mismo. Demostraban sus sensaciones pintando eventos que iban a ocurrir en el tiempo futuro, que eran producto de su intuición.
Cuando Italia entra a la primera Guerra Mundial en 1915, muchos de los jóvenes Futuristas tuvieron que enlistarse en la guerra y dejaron a un lado sus actividades artísticas.
El artista Umberto Boceioni murió en la guerra al igual que muchos otros pintores y escultores, es por esta razón que durante los últimos días del Futurismo, se produjeron obras que plasmaban imágenes de guerra.
El artista Severini pintó algunas obras futuristas durante los días de guerra en 1915, entre las principales están: Arma en Acción, Tren Blindado y Tren de la Cruz Roja. 

Umberto Boccioni
Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En LA ciudad se levanta su dinámica es curva. mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenetico, casi desesperado.

Escultura 

En la escultura Futurista se quiere resaltar que el mundo está siempre en constante movimiento, asi lo muestra la escultura de Umberto Boccioni, titulada "Formas Únicas en la Continuidad del Espacio" (1913). Representa el dinamismo. 

Las esculturas del Futurismo suelen estar construidas en bronce o hierro. Muchas de ellas presentan formas abstractas, reconstrucciones de varios elementos y además expresan movimiento.

Fotografía

En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose. 

Arquitectura

La arquitectura Futurista aparece a inicios del siglo 20, se caracteriza por largas lineas horizontales que sugieren velocidad y movimiento. 

La temática principal que sirvió de inspiracion para los arquitectos futuristas era la tecnología y la violencia. Los arquitectos más destacados de este movitniento fueron Antonio Sant'Elia y Mario Chiattorii, quienes fundaron el grupo de la Nueva Tendencia "Nuove Tendente''. 

La imagen muestra un dibujo arquitectonico por Sant:Elia, titulado "La Cata Nuova" (La Ciudad Nueva) el cual fue un proyecto que nunca pudo ser const reído y los planos fupron destruídos en la Primera Guerra Mundial. 

Durante 1920-1940 muchos arquitectos se dejaron influenciar por el estilo de Sant"Elis y sebdio paso a la construcción de Estaciones de Tren, Edificios Públicos, Oficinas de Correos, puertos Marítimos, etc..
El Futurismo en la arquitectura buscaba la simplicidad en las formas, fuertes contrastes y la implementacion de materiales novedosos o avanzados.
Se considera a la Fabrica fiatt Lingotto en Turín como la primera obra arquítectura Futurista creada por Giacomo Matte-Trucco 1934. 

El Fut urismo oficialmente se extingue tras la muerte de su fundador Marinetti en 1944. Luego de este tiempo el termino Futurismo es relacionado con la ciencia ficción hasta la actualidad. 

Es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.

Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.

Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.

Cabe destacar que, más allá de la pintura, el cubismo llegó a la literatura. Los caligramas combinan la poesía con los dibujos, al organizar el texto de una manera particular. El poeta francés Guillaume Apollinaire fue uno de los principales creadores de caligrama.

Entre otros nombres fundamentales del movimiento podemos citar a Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes y Fernand Leger..

Fases del cubismo

Como punto de partida del movimiento podemos señalar “Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, en 1907. Desde entonces, el cubismo planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva, movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se desliga de la interpretación o la semejanza a la naturaleza.
Es importante señalar que fue esta la primera vanguardia que apareció en el arte gráfico, que se opuso rotundamente al movimiento en auge del momento, el Renacentismo donde se le daba una importancia fundamental a la perspectiva. En el cubismo, esta desapareció y se fragmentó en líneas y superficies; esta nueva forma de comprender la perspectiva recibió el nombre de perspectiva múltiple. Ya no existe un único punto de vista ni tampoco hay sensación de profundidad ni detalles.

En este movimiento existen dos fases bien diferenciadas:

* Cubismo Analítico: se lo conoce también como cubismo puro y es el más complejo de comprender. Se basa en la descomposición de formas y figuras geométricas para analizarlas y reordenarlas de una forma diferente y descompuesta.

* Cubismo Sintético: le siguió a la corriente anterior y se basó en la recomposición de los objetos, es decir ya no en el análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia de su fisonomía. Estos artistas resaltaban a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura. En esta etapa surgió la técnica del collage y el uso de elementos de la vida cotidiana permitiendo ofrecer una imagen global ofreciendo un referente concreto.

Por último cabe añadir que la aparición de la fotografía en escena fue fundamental para la liberación absoluta del arte gráfico. Al representar de forma más exacta que la pintura la propia realidad, permitió que ésta pudiera volverse más abstracta, al quitarle el peso de tener que representar las cosas tal cual aparecen en la realidad para transcribirlas.

Artistas

Picasso
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento.
Con "El actor' obra con la que inicia la llamada Epoca rosa y que termina con el retrato "De Gertrude Stein" que fue muy cnticada. Toma influencia de otras civilizaciones, las mascaras negras le enseñan a tratar el rostro. En 1917 viaja a Italia donde conoce a Olga Koklova, su esposa quien lo transforma en un gran burgués.
Al estallar la guerra pinta " El Guernica" metáfora de destrucción y drama. Tras la guerra inicia una nueva etapa; con una nueva compañera Fracosse Gilot, con la cual tuvo 2 hijos.
Desarrolla una nueva pasión la cerámica. Reinterpreta cuadros famosos como la serie Las Mermas. En 1951 se casa con Jacqueline Roque y muere en 1973.
"GEORGES BRAQUE"
Georges Braque nace en 1882. Su padre fue un pintor - decorador, oficio que Braque aprende en El Havre antes de trasladarse a París en 1900 donde estudiada en Bellas Artes.
Desde 1907 hasta que fue llamado al frente en 1914,desarrolló el cubismo junto a Picasso.
Cuando Braque uso el oficio de pintor - decorador, fue
el primero en imitar madera o el mármol y materiales como el veteado de la madera y marmol y texturas usando serrin y mezclando  la
arena con la pintura, después emulando el cartón o la madera.
Tambien fue el pionero en superponer cifras y letras sobre la malla cubisca, practicas que desembocarían en la invención del collage.
Braque fue el pnmero en introducir instrumentos musicales en sus cuadros
Herido en I 915, y tras una larga covalecencia, retomó la pintura en 1917, y sin la influencia Picasso, su pintura sin torna mas decorativas y pierde severidad para recobrar el sentido de la armonía y la elegancia.
Su obra se centró en la naturaleza muerta estructurando los diferentes elementos en torno a una mesita o chimenea cenrales que le permitieran definir espacialmente la obra y así crear entre los distintos elementos una sene de relaciones equilibradas.
Fernand leger
Nació en Normandía y se inicio como arquitecto. A principios de siglo estudió pintura en París, se hizo del grupo cubista y así pinto La Boda,
Después de Pnmera Guerra Mundial, se unió a los seguidores de Le Corbusier que defendían el racionalismo en una visión exaltada y fuertemente plástica de la maquina.
Tenia preferencia por las formas cilindricas que han elativo de "tubismo"para llegar despues a la abstraccion
Sus temas son la ciudad y la maquina corm metáforas de la vida en la sociedad tecnológica,

Acerca de la significación de la fligura hurnana, la capto no como un valor sentimental sino únicamente como un valor plástico, sometiéndola al orden geométrico que rige las maguinas y el medio ambiente urbano

Interés por las formas mecanicas. 

Entre I940 y i 945 establece en Estados Unidos. 

OBRAS: 

- 'Tres Mujeres" - 'Los elementos mecanicos. - "La ciudad' - el balet mecánico' - "Los discos. - 'La lectura' - 'Objetos en el espacio' 

-JUAN GRIS (1887-1927 )

José Victonano González, en sus primeras obras predominan Ios tonos grises. de ahí su seudónimo. 

- Exponente del cubsmo sintético. - "El desayuno'. - 'Naturaleza muerta, con frutero". 

En sus obras manifiesta un estilo fuertemente personal. 

"bodegon de dado. 

"ROBERT DELAUNAY" 

En sus obras hay influencia de Seurat y de las teorías de Chevrel.  En 1912 expenmentó el cubismo analítico para explorar las relaciones entre forma y color.  Su obra se caractenza por el empleo de formas circulares y colores planos, provocando sensaciones de espacialidad y movimiento. 

- "Discos".

Rigurosamente, es el arte que se desarrolla en Alemania en el segundo decenio del siglo XX, popularizado entre los años 1911 y 1914. Aunque su influjo se ha extendido universalmente. Se entiende como un movimiento artístico nacido de la crisis ideológica y social en los países germánicos, e interpretado como una reacción al cubismo y el impresionismo. El estallido de la Primera Guerra Mundial actuó como elemento aglutinante. El ambiente desgarrador, necesitaba un arte de guerra. Al término del conflicto, la República de Weimar exaltó a los expresionistas. Firmes hasta 1924, luego comenzó su decadencia y su ocaso con la llegada del nazismo. Así el expresionismo, símbolo de rebeldía y servido por los judíos, no podía más que ser perseguido por los Nazis, beneficiando a los países donde se han refugiado los artistas.

El exprenismo resalta como el centro de sus preocupaciones: el alma humana, basándose en una estética concreta de deformación expresiva debido al estado emocional del artista. Por consiguiente es el noruego Edvard Munch el padre del expresionismo, y su obra El grito (soledad, dolor, tristeza y amargura) la definición más concreta del movimiento, aunque sus antecedentes se remonten al propio Vincent Van Gogh. La temática de este estilo no le da relevancia a la sensibilidad de los colores o a la armonía de sus mezclas, sino al planteamiento de los conflictos íntimos y privados de las personas, siendo aquellos que poseen un significado angustioso y desgarrador los que prevalezcan. El expresionismo se presenta de esta manera, como el exponente más claro de la angustia contemporánea. Sin embargo no es la realidad el criterio seguido por esta corriente, ya que la exageran, culminando en sarcasmo y desesperación. Su realidad está basada en la experiencia emocional y espiritual, por encima de una comprensión analítica. Los pintores intentan hallar la imagen que el objeto deja en ellos y seguir las deformaciones que el inconsciente introduce. Elementos característicos de este movimiento son la utilización de colores discordantes, la deformación de los objetos para aumentar la expresión y el uso de líneas en zigzag. Considerado no sólo como un vanguardia artística, configura un amplio espectro en la literatura, el cine o la moda; se aglutinó en Berlín a partir de 1910 en torno a la sala Der Sturm y la revista de homónimo nombre, y  entre 1905 y 1933, se pueden mencionar como relevantes, en Alemania los grupos Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El jinete azul); así como en Austria y de manera individual, Oskar Kokoschka y Egon Schiele, además de en la Alemania de posguerra, Neue Sachlichkeit (La nueva objetividad).

Die Brücke (El puente).
Fundado en 1905 en Dresde por cuatro estudiantes de arquitectura: Ernst Ludwin Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt Rottluff, a los que se unen en 1906 Max Pechstein y Emil Nolde, y en 1910, Otto Müller. En un principio no perseguían finalidades prácticas, sino que buscaban el conocimiento del oficio al margen de los academicismos. Su intención es formar un frente de oposición al impresionismo y cubismo, uniendo el arte y la vida en contra de la sociedad burguesa. Imponen condiciones de  trabajo en común y se obligan a exponer en grupo. Estilísticamente tienen influencias de Paul Gauguin y Vincent Van Gogh en el color, de Edvard Munch en el simbolismo, de Paul Cézanne en los paisajes, y de las artes de Oceanía y África en las formas. Utilizaban el tema del cuadro para comunicar sus sentimientos intensos y no dudaban en deformarlo hasta conseguir el efecto buscado. Sus pinturas, pese a huir de influencias, se parecían a las obras de los cubistas en el hecho de tener muy poca perspectiva o fondo. A lo largo de su existencia como grupo, trabajaron la pintura, la litografía o la talla en madera. A partir de la exposición de 1907, en la salas de Ritcher, programan una serie de exposiciones itinerantes para darse a conocer. Poseen un estilo común basado en los colores estridentes y las deformaciones, en una temática donde eran frecuentes los paisajes, desnudos, retratos o las escenas cotidianas. La publicación en 1913, por parte de Kirchner de la Crónica de Die Brücke sin autorización colectiva, supuso junto con otros factores su disolución.

Der Blaue Reiter (El jinete azul).
En Munich durante 1911, Wassily Kandinsky y Franz Marc fundan el grupo del Jinete azul. El nombre proviene de una conversación entre los dos miembros originales, debido a su predilección por el azul y el simbolismo de dicho color. La composición del grupo fue heterogénea; formado por los rusos Kandinsky y Jawlensky, los alemanes Marc y Macke y el austriaco Kubin. Como colectivo tienen claros sus objetivos, los une la aspiración de hacer visible, no la experiencia del mundo natural, sino la experiencia interior y la vida espiritual que la sociedad contemporánea tendía a silenciar, pero dejan libertad total a sus componentes, de ahí las diferencias existentes en sus obras. El grupo reivindica la automía del arte, y ser capaces de establecer unas bases que sean comunes para todas las artes. Combaten el clasicismo con las formas y suprimen la separación entre el arte popular y el académico (Influidos por las estéticas rusas). Se orientan a coordinar y apoyar toda clase de corrientes y estilos que se encaminen hacia la libertad, la espiritualidad y la autonomía de la forma y el color. Su modelo es la música, el arte más abstracto y el que menos referencia toma del exterior. En 1913, se produce su disolución.
Austria. El Grupo Vienés.
Dentro del Imperio Austro-Húngaro, en 1898 se produjo en Viena una ruptura más del arte convencional. Fue dirigida por Gustav Klimt, reconocida con el nombre de la Sezession (La secesión de Viena), y tuvo como medio de disfusión la revista Ver Sacrum. Su objetivo era lograr la integración del arte con la vida, producir arte que significara algo para todo el mundo, y que no estuviera basado en ideas antigüas y repetidas. Klimt como fundador de la asociación y la revista, decide separarse del movimiento en 1905, con una obra ya cargada de simbolismo. Mientras, se mantenía que la lujosa ornamentación de sus cuadros chocaba frontalmente con su objetivo de un arte para todos. Por otro lado, la idea de que la pintura debía mostrar la verdad fue llevada a cabo por Oskar Kokoschka y Egon Schiele, que pueden ser considerados como los pintores más relevantes del expresionismo vienés.
Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).
En los años veinte, acabada la Primera Guerra Mundial, la situación alemana da para otro movimiento de carácter expresionista que recupera la figuración y el compromiso político. Georges Grosz, Max Beckmann y Otto Dix, fueron sus representantes más destacados, los cuales retoman el contexto urbano para denunciar las consecuencias del militarismo, la represión política y la deshumanización en aumento de la sociedad alemana. Con la subida de Hitler al poder, esta critica fue perseguida y señalada como arte degenerativo, además de ser considerados sus miembros como traidores de la causa alemana.
Expresionismo más allá de Alemania.
En Francia destacan entre otros los pintores Georges Rouault y Marcel Gromaire; los belgas James Ensor o Servaes; los representantes de la denominada "Escuela de París" Chaim Soutine y Amedeo Modigliani; los españoles Pablo Picasso (en su etapa expresionista), José Gutiérrez Solana y Rafael Zabaleta; y los americanos Diego Rivera, José Clemente Orozco y Edward Hopper, entre otros.

Movimiento pictorico frances de escasa duracion (1904-1908) que revoluciono el concepto del color
El termino fauves (fieras) fue una etiqueta peyorativa aplicada por la critica con motivo de la primera exposicion en el salon de otoño de 1905
El termino fauve nunca fue aceptado por los mismos pintores
Tecnicamente el uso fauvista del color derivo de los experimentos realizados por Matisse en Saint- Tropez durante el verano de 1904, donde contacto con los pintores que aplicaban pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen optica mas cientifica que la de los imprecionistas
Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos empleada por los imprecionistas a favor de los colores violentos,introducidos por los pos imprecionistas para crear un mayor enfasis expresivo

Sus integrantes fueron:
Andre Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy,George Rovault,Henri entre otros siendo este ultimo su mayor exponente
Caracteristicas de la pintura fauvista
El color violento y puro como elemento basico del cuadro,es la nota principal de este movimiento
Ademas se buscan acordes ineditos entre colores cayendo en lo estridente, pero nunca en el mal gusto
Se suprimen las formas,el claroscuro y el modelado de las figuras
Estas se limitan por una linea tambien de color que no define exactamente los objetos
El fundamento de este movimiento es la liberacion del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromaticos
Los artistas fauves van a trabajar con la teoria del color interpretando que colores son primarios,secundarios y complementarios
Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores,lo que producia un mayor contraste visual y fuerza cromatica
Por color complementario de otro, el color que se situa en la parte opuesta, para verde ..rojo, para azul ..naranja, y amarillo... violeta
En esta busqueda tan dirigida al color se olvidan de otros aspectos como el modelado, el claroscuro y perpectiva.